1小时40分钟的分享会，温馨的广州图书馆多媒体鉴赏区座无虚席，从中老年人到初二的学生，图书馆果然是读书人的地方，从音乐与哲学、无调性的现代派音乐如何亲近到巴赫键盘音乐的现代化演变，广州读者高水准的互动提问，让这场跨年悦读会变得特别动人和温馨，也再次证明无论在一个怎样陌生的大都市，喜欢读书和音乐的人总能快速找到彼此。
作为南方日报评出的“2015广东十大阅读达人”之一，星海音乐学院音乐学系主任邓希路教授是本场阅读分享会的主讲人。1990年代，正值国内发烧友玩音响烧钱最疯狂的年代，也间接培养了一众古典音乐发烧友。那十年间，邓希路每周在广州电台做古典音乐节目《大理石殿堂》，可见广州当时古典音乐氛围之浓厚。今天，我们走进邓老师的家，一千多张国外原版古典音乐CD、四面墙和阁楼都装满了书以至于把钢琴挤到角落的书房，相对于发烧友来说不算奢侈的六万块的音响设备，“够用就好”，邓老师的家诠释了一个学者简朴和高贵的幸福。
由于观众的提问过分热情，本次分享会上邓教授都没有机会拿出他带过来的六本书，我们的主题也从“一个音乐学家的2015书单”变成了“我在听古典音乐中遇到的困惑”，但是邓教授明明主张，对于普通人来说，大可以忽略乐理、句式和技巧，去阅读、去旅行，去用间接的别人的经验来培养自己感受和联想的能力，这样同样可以从音乐中获得最好的享受。 “音乐到底需不要懂？”，我们来看看那天都聊了些啥。
现场实录
（周：主持人周微，邓：邓希路教授）
周：在工作日的下午，很高兴见到这么多热爱音乐的朋友，把这个小小的场子挤得满满一堂。刚才我们听到的这段音乐，是邓老师当时在广州电台主持古典音乐节目《大理石殿堂》时常用的垫乐，来自法国作曲家佛莱的《艺术歌曲小品集》。今天，其实蛮像一场听众见面会，我既是主持人也是听众，和大家一起随邓老师走进古典音乐的殿堂，邓老师昨天特别交待，“不要像上课一样，不要ppt，就当是一场朋友的聚会”，现在我们把时间交给邓老师。
邓：首先感谢各位的到来，也感谢中国国际广播电台给我这样一个机会，与本地的朋友有一个直面的交流，在这样一个安静、高雅的场所。以前我在广州电台做节目的时候，是没有接热线电话的，今天在这里我想将我自己这几十年的一些体会展示给大家，听听大家都有些什么样的看法。
不掌握乐理，能听出“好听”之外的东西么？
我很小就接触音乐，那时候家里有钢琴的就没几个，我那时候也像普通孩子一样，买一些价格不是很高的乐器来学习音乐。六七岁的时候，我妈教我读谱，她教一首我学一首，后来她就和我说，如果你学会看谱的话，你就不用教我你了。我很幸运很早学会看谱，也正是通过看谱我可以自己去吸收一些陌生的音乐。
我小学二年级开始了文革。我妈是搞医学的，我父亲是研究文史的，家里面有很多西方小说，我妈妈爱好外国文学，每天晚上吃完饭，她就把我兄妹俩叫在一起，给我们绘声绘色地讲了好几年，后来我自己去看这些书的时候，发现她加进了好多东西，尤其是对环境的渲染，我想为什么一部小说能够给我留下这么深刻的印象？后来成熟以后我就在想，环境与故事，应该作为艺术理解很重要的环节。
周微昨天和我交流说她听不懂巴赫，我的观点是一个人在接受音乐的时候是由意象决定的，如果她认定正在听的音乐是有一个很标准的、实指的内容的话，一旦她拼命想找又找不到的话，她就开始觉得这个音乐我听不懂。
大多数标题性音乐，比如说小提琴协奏曲《梁祝》或者像柴科夫斯基的《罗密欧与朱丽叶幻想曲》，因为是一个戏剧故事，通过音响构造，从音响手段营造一种印象氛围，它让人和故事对应起来，我们好像可以听得懂。但不是所有音乐都有故事，比如无标题音乐，无标题音乐无疑是西方音乐发展到一定阶段的产物，那时候人们开始对音乐自身的音响有一种审美乐趣。
没有主题也没有故事，那写那么复杂的音乐，音乐家只是为了好听？又或者就像小孩子搭积木，只把音乐本身作为一种想象力、智力的音响游戏？从这个意义上说，西方音乐和中国音乐的确有很大的不同。比如贝多芬的32首钢琴奏鸣曲，我前后用了五年时间，把这32首奏鸣曲每一个乐章都分析了一遍，发现它真的没有重复的。对于贝多芬来说，这个“不一样”，就是一种不断自我突破的本能。
那普通人听音乐，不掌握这些乐理，能听出比“好听”更多一点的东西么？当然可以，每一个人听到的音乐背后的东西，取决于意象，我大概归纳了几种人们听音乐的意象：第一种就是我只把音乐当作背景，比如公园或宾馆，幽幽的若隐若现的音乐，它与我们没有直接关系。有一次我带着学生去采风，到了云南很边远的地方，我们在寂静的山里走了好多天，偶然遇见一个小孩，拿着随身听，虽然耳机声音很小，但那个声音出来以后，整个空间一下轻松了。
第二种是我想沉迷于音乐中。我不想去理解，我只想自己沉静在这种音乐氛围里，这是很容易做到的，有时候我在音乐厅都会有这种体会，听着听着我闭上眼睛，那时候会产生一种胡思乱想，记忆储存过的一些东西信息在我脑子里模糊地浮现出来，未必与音乐有关。这一刻我忘却了自己的存在，忘记了我面对的是一个音乐厅，这种感觉很美好，我突然好像从现实世界里抽离出去了，进入了一个很自由的精神空间——很多人都有这样的体验。第三种意象是我想理解这个作品，我想追问刚才听到的作品它意味着什么，我放一段音响给大家。
是什么在引发我们的情感联想？
周：邓老师家里面有很多很多的CD，放满了客厅的两面墙，都是他几十年积累的，按照音乐类型、音乐厂牌和演奏家一一码好。邓老师给我们介绍一下刚刚放的音乐是什么？
邓：这是一个非标题性的音乐，叫《科尔·尼德莱》，是十九世纪中叶的作曲家布鲁赫所写的大提琴协奏曲。刚才大家听到的仅仅只是一分钟左右的音乐，就可以感知到它深沉、苦涩、悲凉的色彩，这是一段直接引发我们情感联想的一段音乐。为什么作曲家会用这种音乐手段营造这样的音响呢？这音响意味着什么呢、表达了什么呢？
这种追问很容易使我们陷入猜谜的迷宫，但是假如我们换一个角度来看问题，作曲家为什么会营造这个东西，作曲家在什么样的历史环境、什么样的精神状态里来写作这个东西的？这就是到音乐以外来追问其他的历史信息，追问这历史信息是想达到什么目的呢，是想理解刚才我们听到的这段音乐，我们就会很自然的找到这个作曲家，知道这个作曲家生活在维也纳，而且处于欧洲很炙热的一个反犹风潮。
到了19世纪中叶以后，反犹变得越来越热，到第二次世界大战结束，这是反犹最严酷的时代，当我们了解到这些东西的时候我们再听这段音乐，我们所掌握的这些历史信息就很自然的成为我们联想的材料，那么刚才那种悲凉那种哭诉、虔诚，就有了依托，这个作品不一定很精确的表现了这种情感，但一定和这种情感有关。作曲家是完全站在同情犹太人在19世纪中叶苦难的生活际遇所流露出来的同情，“科尔.尼德莱”，就是“发誓、祷告”的意思，每年逾越节前夜，犹太人都会集中在自己的会所或者回耶路撒冷，彻夜祷告，当召集人放出《科尔·尼德莱》，全场就悄然无声，而不久就会有哭声，哭的就是自己民族的苦难，了解了这些，和我们刚听到的音响对应，这首曲子就被我们信息的追加有了更明确的意义。
当我们想去理解一个音乐的时候，我们需要的是联想，那么联想从哪里来呢，最好的就是我们自己的直接经历，但是我们不可能回到几百年的历史现场，所以我们只能有一个间接的东西：我们可以通过读书、看电影，通过小说、历史书籍，来给我们大脑储存各种文化信息，而这些东西一旦到我们听音乐的时候我们就会与他联动起来，这就回到了昨天和周微谈到的音乐欣赏与阅读的关系。
周：虽然邓老师家的书架上有很多书，但邓老师也看电子书，每年外出旅行的时候都会带上电子书，电子书的存量也是很大。刚才谈到的古典音乐和阅读的关系，但是现在很多人喜欢听流行音乐，这种比较大众的音乐是不是和阅读也有关系呢？
邓：我觉得不该放在一个价值天平上面，谁高谁低，无论那一种它都会引起我们的心灵震动，像崔健的《一无所有》、《红旗下的蛋》，都引发了我们很强的震动，这种震动甚至不比交响乐弱，但是它无法在工艺难度上和交响乐相比，但不是难的东西就有价值。流行音乐不需要那么多的工艺手段，更多依赖质感和灵感，只是表达方式不同审美趣味不同。
周：有时候邓老师会带学生回家上课，学生们觉得精神食粮非常丰厚。今天我们就把他的客厅搬到图书馆，我们每个人都像是他的学生，有问题可以随时问、随便问。
观众互动
有关巴赫的会诊
观众1 ：可不可以请邓教授科普一下巴赫的键盘音乐，印象中巴赫时代弹奏的是古钢琴，现在的音乐都是用现代钢琴，那我们听到的巴赫音乐是不是原汁原味的？
邓：这个牵扯到演奏美学的问题，现在演奏有两种趋向，一种是通过我的演奏，重现历史的原貌。比如17、18世纪只有三个手指弹琴，另外两个手指是巴赫后来发明的。而且那时候钢琴是击弦古钢琴和拨弦古钢琴，即所谓羽管键琴，羽管键琴会明亮、厚实一点，但是弹奏时需要有一个动作就是把琴弦拨一下，声音很小，更多是作为私人在小房间自娱自乐的。
我想只有一个音乐家是懂得巴赫的，就是加拿大的已故钢琴家格伦·古尔德，所以他拒绝开音乐会，充其量让你来录音，因为他认为弹巴赫就是进入了巴赫的一个梦，巴赫自己做的一个梦，巴赫的大部分作品尤其是键盘作品，像《创意曲》、《十二平均律钢琴曲集》等等，都是性情上的一种自我调节，或是在寻找新模式、新逻辑结构。
前年我去维也纳，在维也纳的老市政厅一个很小的音乐厅，200来人的地方的一个巴洛克建筑，只有13个人的乐队演奏莫扎特的交响乐，但是他所产生的声压完全给我一种六七十人的感受，因为他那个时候的音响织体就是适合那样的场所。我们现在的音乐厅都是19世纪中叶的产物，哪怕是金色大厅，已经不知道改造过多少次了。另外一种演出是借尸还魂，用巴赫的作品表达我自己。一个表达就是我读巴赫我理解巴赫，我所产生的审美效果，这个时候就是借尸还魂，用巴赫的音乐来表现自己。
观众2：很多乐评会讲到巴赫音乐的哲学意义非常深刻，也有说巴赫音乐是与神的对话，我不知道邓教授您同不同意这种说法，或者我们怎么理解巴赫哲学方面的意义？
邓：他确实有这点，但不是很过分。首先他是新教，他所在的地方对教堂音乐并不是很重视，比如他在科滕，科滕甚至禁止教堂过多的音乐，所以很多激进分子都把管风琴打烂，说那个是过分奢华的东西。后来巴赫到莱比锡，连续写作超过27年，但那个时候写的教堂音乐不多的，因为那个时候太多圣咏了，巴赫的写完全是满足一个艺术家的本能，从创作中获得乐趣，因为他的作品是不卖钱的。但他写了300余首合唱写那么多干嘛呢？只有一个原因，写，给他带来非常强烈的乐趣。
巴赫音乐的哲理性，更多是因为启蒙运动时期强调理性，巴赫音乐很强调艺术理性，这种艺术理性是用逻辑的办法对音响材料进行构筑，而不是随便写到哪儿算哪儿，还要提供心智上与别人不同，这种理性后来被勃拉姆斯、勋伯格又进一步继承。
观众3：巴赫是将声乐与器乐演奏结合得很好的，在欣赏他音乐的过程中，如何来欣赏巴赫的声乐？
邓：他的声乐部分主要是体现在他的三部受难乐，所谓受难乐，我给它下的定义是：专门针对四大福音书作为基本材料写的清唱剧。在巴洛克时代，人们认为声乐是乐器中最美妙的，巴赫的音乐很强调歌唱性，哪怕你弹《哥德堡变奏曲》或者《平均律钢琴曲集》，他的每个声部抽出来你唱一下，不要按照巴赫要求的速度，我放慢来唱也有歌唱性，他的器乐作品里保留着声乐气息，所以声乐对他的刺激是很强的，这点一直延续到莫扎特，莫扎特的钢琴曲里面也有很多与声乐的联系，莫扎特钢琴协奏曲K331第一个乐章的第五个变奏，完全是宣叙调的风格，好像一个花腔女高音。
音乐的边界和聆听的意义
观众4：学习西洋哲学的时候会有一种秩序的说法，能用在音乐鉴赏中么？另外，人们常说音乐是有个性的，但是有共同爱好的人聊起来又很有共同话题，这个说法会不会很荒谬？
邓：不会，其实到了第四种意象，独创性有两个：一个是做一种音响意境，不需要懂技术构成，但是能听出不同，这是想象力。如何连接就是技巧方法，贝多芬他们比较喜欢用数控的方法，使音乐变得有逻辑，同时流露情感和心智，把音乐上升到这样的音乐哲学高度来追问，就变成了他的独创性。从音乐哲学角度来说有三个领域：一是音乐感性，一个是认识论领域，就是如何从第一个音符写到最后一个音符。当年我去苏州园林，园林中有很多个主题，每个主题就相当于一个独立的乐章中的主题，这些主题中是有关系的，用游廊连接，让游廊也变得有景色，我就按照当年建园时的路径去游览，很有意思，真切体会到了西方人说的“建筑是凝固的音乐，音乐是流动的建筑”。第三个是音乐价值观的判断，音乐价值观在各个时代是不同的，比如柏拉图认为音乐是对个人心智的调节，孔子则倾向音乐对群体的作用，而古典主义时期像莫扎特，则强调音乐是自我拯救用的本能。莫扎特在1782年婚后就离开了萨尔茨堡，那个时候他周游列国并且享有很高的声誉，但是他来到维也纳之后没有找到工作，很艰难到处借钱，他花天酒地他妻子也是挥霍无度，更为严重的是他们俩都没有多少时间照看孩子，以至于到1788年，他这六年间生的六个孩子有四个先后去世，但是就在这一年的八个星期中，他一口气写了三部交响乐，而且这三部交响乐没有任何痛苦感，很宁静，甚至有点轻盈愉快的感觉。难道这个父亲一点人性都没有？不可能的，从这个角度看古典主义时期的音乐价值观——音乐不是用来宣泄苦闷、表达痛苦的，一旦散播开来，音乐就会变成毒素，整个城市会沉浸在伤感的氛围中。但古典主义同时又反对巴洛克时期享乐主义的宫廷音乐，那种油腻、有脂粉味的音乐他们也不要。
观众5：我的主业是学生命科学的，小时候没有学过乐器，但很喜欢古典音乐。一路听来开始了解一些现代派的无调性音乐，发现很难理解，有时候听起来还不舒服，我想问邓老师如果在不懂乐理的情况下如何去欣赏这类无调性音乐？
邓：现代派音乐是一个非常庞大的范畴，大致有两种取向，第一种是创造一种新的音乐意境，比如波兰乐派的大师他们颠覆了传统的审美趣味，传统审美趣味通常是以三度叠置为基础的合声，旋律主要是建立在7个自然音上。但他们把音扩大到12个却不满足，把很多敲打响的或者没有音高的乐器都摆进去成为音响材料，这是他们有一种扩张音乐材料的冲动。
第二种是寻求新的逻辑，大家可能听过法国现代作曲家布列兹，他的三首钢琴奏鸣曲我听了很多年，如果让我从中随便听一段我还是无法分辨是三部奏鸣曲的哪一部，因为它太严密了，只能把乐谱摊开才能看到逻辑，音乐是流动的，它的妙处在于用了和独特的逻辑系统，这个逻辑系统是我们很难在音乐的感知中捕捉到的。其实越是过于注重技巧逻辑的音乐，留给音乐家的想象就越少，有个叫偶然主义派就认为这种预设对于大众聆听是没有意义的，“这种音乐是打倒听众，娱乐自己，评论家是最好的朋友”。美国音乐家约翰.凯奇是20世纪最具争议的先锋派大师，他曾经做过一个名叫《4分33秒》的钢琴表演：凯奇上台在钢琴前坐下。观众们坐在灯光下安静地等着。1分钟，没有动静，2分钟没有动静，3分钟，人们开始骚动，左顾右盼，想知道到底怎么了，到了4分33秒，钢琴家站起来谢幕：“谢谢各位，刚才我已成功演奏了《4分33秒》。”凯奇就是用这个演奏警示音乐家们，观众也是有灵魂的，那种严密的逻辑数控音乐，只被很小圈子的专业人士看懂，音乐家还不如去做发明家或数学家。
观众6：我想问一个实际问题，我接触古典音乐有一些漫无目的，有点迷茫，对我们这种业余爱好者有没有很好的建议？
邓：如果你听了好多年音乐，那我就建议你做一个音乐史角度的聆听，可以大到从中世纪开始浏览着听，不需要每个作品都产生很强烈的刺激，就是知道音乐的语汇和审美趣味是如何发生变化的。比如17世纪之前的所有音乐都是为声乐所写的，歌词的语意性很明确的。但是到了巴洛克时期就有两个新的成就：一个是歌剧时代的开端，一个是器乐音乐时代的到来。器乐音乐时代的到来对音乐形态来说有一个很大的突破，它不再受声乐音域的制约，也不受声带在发音密度上的制约，这样通过从古到今的浏览就能看到西方音乐发展的历程。另一个办法就是立足于流派，比如古典主义音乐，古典主义的最高成就就在德意志，那我就听德意志那几个重要的作曲家，一个一个来，我自己是这样听音乐的。
周：邓希路教授“音乐无需懂？”的口号一下子让很多人有勇气去接近古典音乐，昨天在邓老师家里，他特别向刚入门古典音乐的我推荐辛丰年先生的《乐迷闲话》等一系列乐评著作，辛老将德彪西的许多大作比作李贺的诗，“新奇又灵动”——对古典音乐这样去“懂”，只要你热爱阅读，大概每个人都可以抵达吧。有很多音乐一听就懂，也有很多音乐怎么听都听不进去，那就像邓老师一样反复去听吧，直到把这个陌生人变成朋友为止，实在谈不来的，以后再找机会聊——中国文化里的“书读百遍，其义自见”也是这个道理。感谢邓老师，也感谢今天到场的各位朋友，“跨年悦读会”广州图书馆这一站就到这里结束了，谢谢大家。
